Revelando textos, desvelando imágenes

 

Este es el enunciado que encabeza la nueva web que he publicado recientemente.

He trabajado en el área de la fotografía durante muchos años, y aparte de lograr ganarme la vida con esto he ido desarrollando un trabajo personal a través del tiempo. Trabajo este último, que con más o menos asiduidad ha ido viendo la luz, es decir haciéndolo público en exposiciones y libros.

Durante bastante tiempo he ido alimentando una web para exponer las fotografías propias, pero con esta nueva he querido dar un salto, un cambio radical de concepto. En la antigua web cada fotografía estaba acompañada de un referente de lugar y un título que fijaba uno de los significados de la imagen. La polisemia característica de las imágenes, hace que si no fijamos, concretamos, uno de los muchos posibles significados de esta, la interpretación será vaga o una proyección directa de la psique del que la mira. Es el famoso efecto Kuleshov que tanto popularizó Hitchcock, pero en vez de asociarse a otra imagen, es un texto el que especifica el significado, lo que llamamos “pie de foto”. Por otro lado tal y cómo el lingüista y filósofo checo-brasileño Vìlèm Flusser indicaba en su libro “Por una filosofía de la fotografía” la interpretación de una misma imagen también depende del canal en la que sea exhibida. La fotografía del primer astronauta en la luna es un recuerdo en un libro de historia y una obra de arte conceptual ampliada a dos metros en el centro de una galería de arte.

En el mundo de hoy, el espacio de las imágenes ya domina sobre el universo del texto, se puede hablar, generalizando, de analfabetismo en lo visual, ya que realmente no ha habido un aprendizaje mínimo de los códigos de interpretación icónica, los damos por supuestos. Nos podemos detener un buen rato para interpretar un texto, pero es más difícil que alguien se pare a pensar en los diferentes sentidos que puede tener una imagen. No tenemos herramientas, y peor aún, estamos indefensos ante el tsunami permanente a que estamos sometidos a diario. A lo que tenemos que añadir la facilidad de nuestros dispositivos móviles para realizar, no una, sino muchas fotografías y sin ningún coste alguno, como lo tenía cuando apretábamos el disparador de nuestras antiguas cámaras analógicas. El destino de estas imágenes es subirlas de forma inmediata a la “nube”, alimentando más y más la pirámide de imágenes casi iguales e igualmente carentes de sentido, salvo para el que las hace.

Un solo dato, a las cuatro aplicaciones sociales más utilizadas de nuestro entorno se suben una media de 22.000 fotografías cada segundo.

¿Qué hacer ante semejante panorama? ¿Seguir subiendo imágenes más o menos interesantes, más o menos parecidas?

Ni que decir tiene que igualmente los textos van quedando relegados a titulares en los entornos digitales, no hay mas que repasar la versión digital de los periódicos.

Decidí entonces pensar en un juego diferente, un juego personal que consiste en unir textos de autores que me han gustado a lo largo de los años, destacando un fragmento que me haya parecido significativo y que en cierta manera refleje el espíritu de este, con una fotografía realizada anteriormente. Reciclar imágenes uniéndolas con textos. El juego puede tener dos direcciones, escoger un texto seleccionado y buscar una imagen en el archivo como quien busca una pieza de puzle que encaje con otra, o al revés, pensar qué texto puede sugerirnos determinada imagen suficientemente interesante. Podemos comprobar entonces cómo ambos, texto e imagen sufren cambios con el encuentro. Los textos descontextualizados acceden a la misma polisemia de las imágenes. El imaginario que el texto crea en cada lector, se modifica al ponerlo en relación con la imagen y esta adquiere un significado concreto al ponerla al lado del fragmento. Todavía es más obvio cuando oponemos una imagen y luego otra distinta al mismo texto.

¡Un LIBRO! Hacía cuatro meses que no tenía un libro entre las manos y ahora, la sola idea de un libro en el que leer, perseguir y capturar pensamientos nuevos, frescos, diferentes a los míos, pensamientos para distraerse y atesorarlos en mi cerebro, esa sola idea era capaz de embriagarme y también de serenarme. (Stefan Zweig  en Novela de ajedrez. )

Después de publicada la web, me di cuenta de que era necesario avisar a una lista de correo cada vez que subía una publicación nueva, un proceso poco ágil y algo engorroso. Faltaba también la interactividad, uno de los factores distintivos que en ámbito de lo digital hacen posible las redes. Probé entonces comenzar a publicar poco a poco también en Instagram y Facebook, aunque de alguna manera había que adecuar la forma de la publicación para que el concepto de relación Imagen-Texto no se perdiera.

Mis primeras conclusiones llevan a alguna que otra contradicción. Una web, con un diseño propio, adaptado al objetivo que se pretende, coherente con el sentido que se quiere transmitir, es algo ya poco dinámico, es el equivalente a poner una valla de anuncios en medio del Sáhara, tienes que avisar para que la gente pase por allí. El contexto digital implica esa rapidez en el consumo inmediato de experiencias que caracteriza el mundo en el que vivimos. Poco tiempo para la reflexión. De hecho mucha gente mira las imágenes y no lee los textos. Las populares redes sociales antes nombradas, ofrecen esa visibilidad que no tiene una web, pero siempre al coste de no ofrecer textos largos ni imágenes complejas (ya que se suelen mirar en la pantalla de un móvil). Cada canal tiene sus lenguajes propios, uno el que implementan los algoritmos que han configurado la herramienta y otro el que los usuarios van haciendo con él y que va evolucionando con el tiempo.

El experimento continúa.

Todo ser humano es el resultado de un padre y una madre. Se puede no reconocerlos, no quererlos, se puede dudar de ellos. Pero están ahí, con su cara, sus actitudes, sus modales y sus manías, sus ilusiones, sus esperanzas, la forma de sus manos y de los dedos del pie, el color de sus ojos y de su pelo, su manera de hablar, sus pensamientos, probablemente la edad de su muerte. Todo esto ha pasado a nosotros. (J.M.G. Le Clézio. El africano)

 

 

Autor: Javier Calbet

www.javiercalbet.com

 

 

 

Frankenbot: Un experimento de reciclaje literario y automatización de procesos en red

En el marco del día de las Letras de la UCM, el proyecto RECLIT coordina una iniciativa de escritura creativa basada en el reciclaje literario postdigital: el taller online  Frankenbot: crea tu propio bot literario. La red social Twitter sirve de espacio y de medio para plantear una escritura automatizada y basada en autores o estructuras literarias previas.

Bajo el siguiente enunciado de reclamo:

¡Crea un bot literario en la Red! Te enseñamos a crear un bot literario de forma muy fácil y a llenar así la Red con versos y frases de tus escritores/as y obras favoritos ¡El único requisito es la no originalidad de tu propuesta!

Este taller servirá por un lado, como de laboratorio de reciclaje literario para los estudiantes que podrán apropiarse de una herramienta propia de las redes sociales para producir escritura literaria; por otro lado, permitirá observar la viralización de lo literario y los procesos de reciclaje que pueden ser desarrollados por jóvenes en la red.

 

Varios alumnos e interesados elaboraron en un taller las cuentas con la que ponen en marcha estos bots literarios. A través de varias cuentas en la red social de microblogging Twitter, que publican post literarios automatizados y que remiten a los mismos hashtags, se crea una red de escritura reciclada. Estos robots escriben a través de la composición o “re-composición” de textos ajenos, cuestionando los procesos creativos y las nuevas dinámicas culturales de la red.

Entrada por Laura Sánchez Gómez

“Artes visuales postinternet”. Comunicación de Juan Martín-Prada

Jornada Postdigital 11 septiembre 2020

La conferencia de Juan Martín Prada, catedrático en la Universidad de Cádiz, se basó en su artículo “Sobre el arte post-Internet”. En ella realizó un análisis del término post-Internet considerando las voces a favor y en contra de su uso, las ventajas e inconvenientes de emplearlo y, por último, ofreciendo su propia posición al respecto.

Desde comienzos del siglo XXI se viene observando una diferenciación entre el denominado Internet art en sí e internet como la causante de un impacto en las formas creativas que tematizan los efectos del uso de la red y de las tecnologías en manifestaciones ajenas al estado de conexión. A lo largo de este siglo, arte e Internet se relacionaban tanto en obras artísticas on line como off line. La práctica artística tomaría de esta manera a la red y sus efectos en la sociedad como tema central, construyendo así las “poéticas de la conectividad”.

Estas obras, no pertenecientes al net art y fruto de prácticas creativas acerca o sobre internet, pasaron a denominarse “post-internet art” (con o sin guión). Sin embargo, el término ya se había empleado desde principios de siglo en diversas obras como All-to-one: The Winning Model for Marketing in the Post-internet Economy (2001) de Luengo-Jones, donde señala que con postInternet se apuntaba a una fase en la que Internet habría llegado a ser un elemento omnipresente, central, en nuestro contexto de vida.

La primera vez que se usó el término postInternet en el mundo del arte vino de la mano de Marisa Olson, queriendo expresar “arte después de Internet”. Esto sería el arte fruto y resultado de la acción de navegar por la red, obras creadas en un momento de post-navegación.

Con el paso del tiempo, el término post-Internet ha ido adquiriendo diferentes matices. En 2013 empezó a señalarse el Post-Internet Art como “nueva tendencia”, pero en 2014 la diversidad de opiniones frente a esta denominación quedó patente en el catálogo de la exposición “Art Post-Internet” celebrada en 2014 en Pekín.

A pesar de la diversidad de matices, hay algunos aspectos claros con respecto al arte postInternet: se trata de “propuestas que ahondarían creativamente, a través de cualquier tipo de medio o lenguaje artístico, en la conectividad ubicua y permanente, entendida ésta como condición clave de nuestro tiempo, como el elemento articulador principal de los nuevos hábitos de vida en nuestras sociedades”. El arte postInternet utilizaría cualquier medio de expresión plasmándose en configuraciones objetuales o espaciales de muy diverso tipo. En este sentido, el término analizado compite con otras denominaciones como internet aware art o internet engaged art (obras más bien acerca o sobre Internet que obras de Internet), en definición de Nik Kosmas: “arte acerca de la experiencia de vivir, en red, en el siglo XXI” que plasma relaciones entre lo físico y objetual y las formas de circulación de la imagen en el ámbito digital.

El término, si bien defendido por algunos, es ampliamente criticado por otros: porque sería una mera etiqueta, en parte con fines comerciales, o porque post haría referencia a algo temporal que marcaría una secuenciación entre net art y post-Internet art y que expresaría la superación del net art, todavía vigente. En realidad, sería factible denominar a una obra de net art también como postInternet art porque net art se refiere a que la obra opera en la red, siendo esta necesaria para su experiencia, mientras que arte postInternet designaría al campo de referencia o temático que caracteriza la obra (“la conectividad como elemento articulador esencial de las pautas de vida y experiencia de nuestro tiempo”).

Al margen de las críticas, Juan Martín Prada defendió que el término sirve para señalar “todas aquellas prácticas artísticas comprometidas con la tematización del impacto de Internet hoy en nuestras vidas, en un momento en el que la red forma ya parte esencial de nuestro entorno cotidiano y en el que damos por supuesta su disponibilidad permanente y ubicua”. Para él, es preferible hablar de una segunda época en la relación entre arte e Internet comenzada con las “dinámicas de participación propias de la Web 2.0” y que generan nuevas “poéticas de la conectividad”. En esta segunda época ganan protagonismo las propuestas artísticas que entienden a Internet “no como un medio específico para el arte sino como un obligado campo temático, elemento articulador primordial de las nuevas prácticas comunicativas, sociales y productivas de nuestros días”.

Bibliografía:

Juan Martín Prada. Teorías estéticas contemporáneas

Resumen de Teresa Cañadas García

“Una década de creación postdigital”: Comunicación de Germán Sierra en la Jornada “Postdigital: ¿un término para el ahora?”

 

Una década de creación postdigital

Germán Sierra Paredes (Universidad de Santiago, España),

Jornada Postdigital 11 septiembre 2020

El término “postdigital” puede ser rastreado desde 2000[1], aunque cobra verdadera fuerza a partir de 2010: la mayor parte de lo que Sierra considera “arte postdigital” ha tenido lugar en esta última década. El propio Sierra lo utilizó en la revista Quimera a propósito de la música postdigital:

“La postmodernidad no es un período histórico que llega después de la modernidad, como el afterpop no es un movimiento artístico que llega después del pop. Se trata en ambos casos de un modo característico de entender o procesar las circunstancias de este fenómeno”[2] (Sierra, 2010)

Así, la “postdigitalidad” no significa un regreso a lo real por contraposición a lo digital. “Cultura postdigital” es aquella que produce una sociedad que ha asimilado lo digital como parte del mundo natural, vivido espontáneamente. No es tanto un estilo artístico, como una actitud o una condición, en el mismo sentido en que François Lyotard hablaba de “condición postmoderna”.

Aunque hemos sido testigo de la aparición de obras postdigitales en formato analógico como House of Leaves[3], la gran expansión de lo postdigital se da en la segunda década del siglo. Al igual que con el término “posthumanismo”, los autores no se refieren a lo que va a suceder tras la extinción humana, sino a una serie de cambios en la forma de entender lo que es humano, una descentralización de lo humano.

Así, lo digital deja de ser simplemente el medio de representación o el objetivo representativo y se asume como parte de la realidad con la misma legitimidad que lo analógico. Aceptamos que lo digital ha pasado a ser más que un medio: es un modo de presentación. Consistiría en el aprovechamiento productivo de las formas digitales de producción: es la estética del glitch o estética del error, que consiste en aprovechar las circunstancias imprevistas que florecen durante la producción de la música digital, por ejemplo. Así lo entienden autores como Agustín Fernández Mayo, y también en poesía.

Y es que siempre que se utiliza o aplica una nueva tecnología a las artes, suelen aparecer unas fases[4] , que no tienen por qué ser sucesivas, sino que muchas veces ocurren al mismo tiempo y se mantienen.

Una primera sería la fase prostética, puramente técnica, que consiste en hacer lo mismo que se estaba haciendo, pero con nueva tecnología: por ejemplo los CDs y DVDs, o la publicación de poesía en Instagram. La poesía combinatoria ya se hacía mucho antes, los medios digitales permitieron producirla simplemente más fácil. En esta fase de digitalización, se producen situaciones tan absurdas como ver las clases repetirse para diferentes grupos de alumnos, sin ningún aprovechamiento de la tecnología, en lugar de acudir a una enseñanza virtual. Es una fase primitiva de esta fase técnica.

Una segunda fase estética, que mantiene la prostética, sería aquella en la que esa tecnología nueva permite hacer cosas que no se podían hacer antes, como en la literatura con hipertextos.

La tercera fase sería post-digital, cuando el código se utiliza no sólo para generar texto, sino que el código es el texto literario, como hace Daniel Temkin[5].

Ya Cocteau contaba que, si su casa estuviera ardiendo y sólo pudiera llevarse una cosa, se llevaría el fuego. El fuego tiene el valor del acto del Fénix. Hoy, en lugar de llevarnos el fuego, nos llevaríamos con nosotros la electricidad. Esto implica, para la literatura, que el escritor despliega sus metamorfosis más allá de su campo de acción. En nuestro tiempo, llevarse el fuego es abandonar los prejuicios culturales alrededor de la organización del mundo, y también sumergirse en el caos, conocer los engranajes de la máquina, atreverse a jugar con el código y poner en juego la idea de que la mente humana se desarrolla a lo largo de la historia. Se trata de una explosión poética cuyo valor añadido permanece ignorado por un tiempo, porque pone en cuestión la imagen de sí misma y de la cultura que lo ha producido.

Las obras de arte digitales no son un mero objeto, son arte. En este sentido, una obra de arte digital no puede ser entendida como una representación o un relato, sino como memoria activa en sí misma. Una obra de arte digital constituye un estado dinámico particular en un sistema que requiere una compleja interacción simbólica y mecánica entre elementos humanos y no humanos, obligándonos a aproximarnos a ella con una metodología diferente de la que emplearíamos con el arte virtual o sonoro.

El arte digital funciona, pues, como una memoria activa, que depende tanto de la existencia de un circuito de red del que forma parte, como de su activación. Requiere un nivel de plasticidad interna para evolucionar a medida que el sistema cambia. Si no se actualiza, deja de existir. La memoria vale tanto como el último recuerdo. Así pues, la característica esencial de ese arte digital radicaría en su capacidad para anclar… Y ello mediante un almacenamiento en espacios que no son públicos ni estables, sino caóticos (con autoactivación automática, por ejemplo).

No en vano la narración requiere una temporalidad consciente. Si la literatura ha recurrido a distintas formas de temporalidad en la narración, hoy día la literatura ya no puede aspirar a representar, porque el ecosistema cognitivo en el que nos movemos ya no se puede representar, como mucho puede dramatizar. Es una dramatización que se lleva frecuentemente a cabo en instrucciones abstractas para los “textos-máquina”.

Los resultados de la experimentación postdigital surgen como producto de la colaboración entre poetas y programadores. Libros que pueden ser leídos con la webcam: no existen en la pantalla ni en la página, sino en un espacio virtual que es aumentado. Novelas en forma de imágenes GIF, como las del autor americano Dennis Cooper entre 2014 y 2016[6]. Experimentos como el reto de escribir una novela de 100.000 palabras encerrado durante 5 días, a partir de una preparación previa que consiste en seleccionar bases de datos y herramientas de generación del texto[7]. Software ejecutado para producir un artefacto que clausura el programa que lo había hecho previamente posible.

Recordemos que Misión Imposible empezaba con un magnetófono que contenía la misión y se destruía. Como decía MacLuhan, el medio se destruye con el mensaje. Muchas instrucciones del medio implican su propia destrucción, incluso en música, con textos que cambian según la resonancia de las habitaciones en las que son grabadas y son destruidos. Así también podríamos entender estas obras sonoras como una performance poética; de hecho, algunas comienzan con un texto perfectamente inteligible que es progresivamente destruido. Otras obras mantienen los datos en perfecto estado siempre que no se acceda a ellos.

Lo postdigital vive esta destrucción de su soporte, una autodestrucción narrativa del contexto se ve también en la narrativa cyberpunk entre otros autores americanos de esta década. Sierra adelanta su hipótesis: la literatura moderna habría intentado construir el ser humano y la posmoderna, destruirlo.

Buen ejemplo de toda esta temática postdigital sería la última novela de Germán Sierra, The Artifact[8] (2018) publicada primero en inglés, pero traducida al castellano después[9]: el hecho central de la historia es un artefacto producido por un medio digital que es una imagen de resonancia magnética indefinible.

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[1] Kim Casone, Aesthetic of Failure, Cambridge, MIT Press, 2000.

[2] Germán Sierra, “Bienvenidos a la era postdigital”, Quimera, 314, 2010, p. 10.

[3] Mark Z. Danielewkski, House of Leaves, New York, Pantheon Books, 2000.

[4] Germán Sierra, “El drama en la máquina: ejemplos de generatividad digital en las artes performativas”, in Paulo Gatica (ed.) Performatividades contemporáneas. Teatro, cine y nuevos medios, Madrid, Visor, 2021 (en prensa).

[5] Daniel Temkin, Esoteric.Codes, https://esoteric.codes/.

[6] Dennis Cooper, Gif Novels (2016), https://rhizome.org/editorial/2016/nov/14/the-download-dennis-coopers-gif-novels/

[7] Inside the Castle. Residency (2014-2021), http://www.insidethecastle.org/castle-freak/

[8] Germán Sierra, The Artifact, Lawrence (Kansas), Inside the Castle, 2018.

[9] Germán Sierra, El Artefacto, Madrid, De Conatus, 2020.

Resumen de la comunicación realizado por Amelia Sanz y Silviano Carrasco.

 

Rec Lit

REC-LIT (Proyecto de Reciclajes culturales. Transliteraturas en la era postdigital) establece como objetivo general la formulación de modelos del reciclaje literario postdigital que aborden: (i) la observación y detección de marcas postdigitales y de estrategias de reciclaje de lo literario; (ii) la interpretación que tenga en cuenta el relato que generan los datos y el reciclaje como herramienta crítica y (iii) la creación de reciclajes como forma efectiva de apropiación del archivo digital literario por parte de los ciudadanos.